ПАСТЕЛЬ.ПЛЕНЭР книга о технике пастели и пейзаже.

Секреты техники пастели и советы по работе на пленэре от мастера пастели More
Секреты техники пастели и советы по работе на пленэре от мастера пастели

Choose reward

Автор

Меня зовут – Сергей Усик (Sergei Oussik) Я  имею 25-летний опыт работы пастелью и являюсь  международно  признанным мастером пастели. 

Пательное Общество Франции номинировало С.Усика  “maitre pastelliste” (мэтр пастели), Пастельное Общество Америки – “signature member” (сигнатюр).Почетный Гость Международного Фестиваля пастели 2004 г, Лимож, Франция.

Сайт автора книги и художника: www.sergeioussik.com ( всю информацию об авторе Sergei Oussik, как художнике, покажет поисковая система Google).

****************************************************************

-ABOUT MY PROJECT

My name is Sergei Oussik. I am Master of Pastel , and my experience  as  pastel painter  is 25 years. Here you are my web-site – sergeioussik.com



This book “PASTEL.PLEIN-AIR” is devoted to pastel technique. I describe possibilities of pastel, the way to treat  a paper with pastels lays, my own characteristic of the  famous pastel brands, tools for outdoors sketching, pastel paper, the way to mount  a mats etc. Some chapters of my book contain advices for conceptualization and comprehension of your own gift. Book is illustrated with author’s pastels. The book is aimed to the beginners; therefore some part of book’s edition (500 exemplars) will be forwarded to the libraries of Children Art schools, Art colleges etc.

О КНИГЕ

Книга посвящена описанию пастели, ее особенностям, специфике и возможностям. Кроме этого, разделы книги описывают все сопутствующее – то есть. фиксативы, бумагу, инструменты для пленэра, популярные бренды пастели. Некоторые разделы содержат советы по осмыслению и осознанию своего художественного дара.

В качестве иллюстраций пейзажных работ в технике пастель, автор сопровождает книгу своими собственными пастелям(около 40 работ) с кратким описанием и критическим анализом.Книга ориентирована на начинающих пастелистов и, поэтому основная часть тиража из 500 экземпляров будет отдана в библиотеки художественных школ,училищ и так далее.Стоимость издания обусловлена качеством печати, стоимостью бумаги, дизайн-макетом и т.д.Ниже приведены фрагменты текста книги для ознакомления возможными участниками проекта.

Содержание книги:

Книга содержит разделы – о пастели. о бумаге для пастели, о фиксативах, о пейзаже, о выборе места для пленэра, об инструментах и материалах для пленэра и так далее.

Книга адресована начинающим художникам, интересующихся техникой пастели.

Вашему вниманию предлагаются фрагменты текста книги.

Фрагменты из книги С.Усика «ПАСТЕЛЬ. ПЛЕНЭР» 
(книга снабжена иллюстрациями пастелей художника, на которые в тексте делаются ссылки) 

Из раздела "РЕКОМЕНДАЦИИ ПО ВЫБОРУ МЕСТА ДЛЯ ПЛЕНЭРНЫХ ЗАРИСОВОК  И ОСОЗНАНИЕ СВОЕГО ТВОРЧЕСКОГО «Я» 

«Поскольку, я мастер пленэрных зарисовок, то начну свой рассказ с главного, без излишних вступлений. А главное в жизни художника, на мой взгляд, является именно готовность видеть,  воспринимать  и осознавать «свою красоту» в окружающем многообразном мире. Поэтому и начинаю я с объяснения процесса этого осознания.Выбор места для этюда – это, конечно, вещь  очень индивидуальная, даже личная. У каждого есть свое представление о красоте, гармонии и т.д.  Это хорошо. Не нужно себя ломать и подстраиваться к стереотипу. Любите свою индивидуальность   После моих советов ваши представления о красоте не изменятся.  Но прислушавшись к рекомендациям, а, главное, регулярно рисуя с натуры, вы гарантированно будете расти  как художник, и будет расти  ваша способность воспринимать все более тонкие и сложные гармонии.

Ведь натура, с ее сложными цветовыми отношениями – «это лучший учитель» – как писал Рембрандт..  Подобные вещи о приоритете натуры для обучения и развития художника, в той или иной интерпретации писали огромное количество мастеров всех времен и народов.. Поэтому хочу специально подчеркнуть, что все разговоры о «несовременности» рисовании с натуры, как образца прекрасного, малоубедительны. Ведь обучение ни коим образом не препятствует вашим творческим поискам и устремлениям!. Умение нарисовать то, что ты хочешь и тонко чувствовать цвет не может быть лишним при занятии любой деятельностью , связанной с искусством изображения.

Поймите, что  и стиль, и техника, и «современность-несовременность», все это глубоко вторично  по отношению к нашему восхищению красотой мира, нашим стремлением ее передать и нашей уникальной индивидуальностью.!

–«Каждый пишет, чем он дышит, не пытаясь угодить»- писал Б.Окуджава. И был прав. Восхищайтесь красотой, а не своим умением или стильностью и не пытайтесь кому-то или чему-то соответствовать!

Условно можно разделить задачи художника на технические, то есть, «материальные» – цвет, объем, рисунок, техника,  и «метафизические»,  то есть «нематериальные».  Первый круг задач можно анализировать, проверяя  «алгеброй гармонию». Восприятие цвета, линии, пятен не зависит от времени и  культуры. Чувство гармонии и красоты является вселенским. В Индонезии и Англии критерии одни.   Красивое в XVI веке  вызывает восхищение и сейчас, «материальная» часть очень важна и мастерству можно и нужно обучаться, но «метафизическая» составляющая задач художника, все же важнее. И заменить или «нарастить» ее невозможно. Ее можно познавать.Помните, как говорил Сократ – «познай себя и ты познаешь весь мир» Кстати, в этой невозможности роста «метафизической» составляющей , и  невозможности  в начале пути  познать себя , то есть,  «размер» таланта, и состоит трагедия нашей профессии. 

Со временем, «способность и готовность  видеть»  войдет в привычку, вырабатывается автоматизм, чем-то напоминающий вспышку. Мгновенная концентрация на остановившей ваш взгляд гармонии. В дальнейшем всегда надо выделять минутку, чтобы понять, что и почему привлекло ваше внимание.Всегда – это значит всю жизнь, в любое время суток, везде.Чехов писал – «душа обязана, трудится» Это работа нашей души. И эта постоянная работа тоньше и важнее непосредственного закрашивания листа бумаги. 

Выбирая место для будущей зарисовки не нужно себя напрягать. Все произойдет само собой, только расслабьте свою психику, не думайте ни о чем. Не нужно анализа и специальной работы. Вы обязательно остановитесь, не сможете не отреагировать, когда увидите «свое». Кстати, отбросить размышления, не думать, и просто смотреть – это один из видов мудрости…. чтобы вы знали, нужно уметь довериться своему «я», которое где-то внутри и не пытаться понять этот процесс «обдумывать»  умом, который относительно «я», снаружи. И это «я» тоньше, мудрее вашего ума, которым, увы, не все дано нам понять и проанализировать.

Обычная беда начинающих – это стремление «засунуть» в этюд как можно больше предметов. Ограничивайте свои аппетиты. Как учил Пушкин –  «.. в одну телегу впрячь не можно коня и трепетную лань!…» Не можно! Это классик пишет. Если уж очень хочется, будете «впрягать» в студии, в комфорте и уюте, не ограничиваясь временем. На пленэре мы учимся,  набираем фрагменты, гармоничные и лаконичные. И не бойтесь неудач на первых порах. Если после  года работы на пленэре, вы  будете довольны двумя из десяти зарисовок, то это очень хорошо!Я свои первые пастельные зарисовки  в мастерской сложил в большой чемодан. Один набросок на другой. Общей высотой около 25 см. То есть, очень  немало там зарисовок.    И я  часто показываю начинающим пастелистам  этот чемодан, чтобы они  не расстраивались из-за  своих первых малоудачных опытов и набирались терпения и трудолюбия.Известный русский рисовальщик и учитель 19 века – П. Чистяков  говорил – сделай сто раз и тогда будет хорошо!

В пейзаже самое главное – «поймать» и передать «душу» этого места. Остановить мгновенье! Состояние-вечер или солнце, грусть или радость – это только характеристика, то  есть, пути передачи. Ум и душа – разные категории. Ум может анализировать, но не может улавливать. Поэтому, нужно настроить свой «дух» – подобное притягивается подобным.

Коротко о том, почему выработка приема,  это плохо.Прежде всего, прием – это не собственный стиль, не почерк. Все великие художники узнаваемы. Мастерство всегда индивидуально окрашено. Но у «великих» нет приема. Разные художественные задачи они решают  разными способами и средствами. Прием же, это всегда остановка, тупик.

Таким образом, нужно стремиться к тому, чтобы каждая зарисовка была откровением, маленькой молитвой красоте окружающего мира, искренней попыткой  обратить внимание людей на «вашу красоту». Как у писателей – кажется,  С.Довлатов говорил: «Если можешь не писать – не пиши. Живи спокойно». Так и у нас. Любой творческий труд – это работа души, переживания, надежды, ожидания. Но без такой работы, мы просто «шудры» по ведической философии, то есть, мастеровые.            Но если художник следует высоким принципам, самоотверженно служит своему таланту, а не «меняет его  на рубли», как писал В.Высоцкий, то он становится творцом. И многие поколения видят воспетое им его глазами.  Но для этого нужно честно служить своему таланту – видеть красоту. Служить – значит отдавать. Отдавать всего себя честно и полностью, не оглядываясь на конъюнктуру, и «современность». Философский и вселенский императив – прежде, чем получить, надо отдать.  Прежде чем наполнить, надо опустошить – ибо, как наполнить уже полное.

из раздела – О ПАСТЕЛИ

Пастелью можно передать и нежную кожу и складки одежды ….. 

В этих случаях мы пишем пастелью, решая живописные задачи. То есть, цветом передаем объем, свет, удаленность предметов. Подобная работа требует много времени и условий студии.В условиях пленэра это недостижимо, отчасти из-за ограничений, налагаемых техникой. Работая красками, можно подобрать на палитре почти любой необходимый оттенок и  кистью нанести его на работу. В пастели очень непросто найти оттенок нужного цвета. По понятным причинам ограниченности палитры.Поэтому, работая на пленэре, нужно обязательно использовать цвет бумаги. Правильно подобранный цвет бумаги – это 20% успеха. 

из раздела— ВЫБОР ЦВЕТА БУМАГИ 

Тон и цвет бумаги при быстрой работе  является  неоценимым помощником. Представьте, перед вами красноватые кусты и деревья на снегу, освещенные весенним солнцем. Если тон и цвет бумаги верный – в нашем случае плотный охристо-серый, то основное цветовое пятно – кусты и деревья  уже есть! Его нужно лишь слегка подкорректировать, накладывая широкими легкими касаниями теплые оттенки (смотри пастель «Начало весны»). А плотный тон бумаги  обеспечит глубину цвета и цельность, столь необходимую при таком обилии веток кустов и деревьев. Теперь представим,  что будет, если бумага подобрана неверно. Например, светло-голубая.  В этом случае, придется сначала создать фон красновато-охристо-коричневый, а потом по нему прокладывать детали. Это, во-первых, лишнее время, а весенние тени «бегут» очень быстро! Во-вторых, светло-голубой цвет бумаги все равно будет проступать сквозь мазки диссонансными пятнами, разрушая иллюзию плотного кустарника. И в – третьих, при прокладывании деталей, нам придется это делать по слою пастели – тому, созданному фону, где сцепление с бумагой намного хуже и не всякая пастель «ляжет». Убедил?

из раздела— ПОЧЕМУ Я СОВЕТУЮ ТАК  вести пейзажную пленэрную зарисовку?

….. за 25 лет работы пастелью, у меня в мастерской есть весьма  много различной пастели лучших производителей со всего мира. Там обилие цветов и оттенков. Но,  даже работая в мастерской, я практически никогда не могу найти нужный оттенок. Приходится находить цвет, наслаиванием различных оттенков. На пленэре, где ваш «походный» набор пастели заведомо беднее,  а время жестко лимитировано, не нужно даже пытаться сразу найти нужный цвет среди своих мелков.

Ограниченность возможности пастели и состоит в том, что не всегда удается передать искомый цвет. В это случае приходится исходить из достигнутого и корректировать остальные цвета исходя из приоритетов цветовых отношений.  Поясню – мелодия песенки – «фа-ля-си-ля» – сыгранная в верхней октаве или в нижней- не меняется, а лишь по-иному окрашивается. То есть, важней соотношение звуков, а не абсолютное звук «правильной» ноты. Так и у нас, ощущение состояния, атмосферы изображаемого, определяется  именно гармонией цветовых отношений и верным соотношением цветов, а не абсолютным попаданием «в цвет» изображаемого.    3.ощущение  воздухаПредлагаемый способ ведения работы на пленэре создает иллюзию воздуха, жизни, благодаря тому, что поверхность бумаги не закрашивается полностью, а наносимые слои пастели «дышат», просвечиваются. Особенно этот эффект работает при передаче удаленных объектов  (смотри   «Болонья.  Хмурый день»).         Если внимательно посмотреть на эту зарисовку, видно, что сложный фасад здания не закрашен. Его тон и цвет достигнут путем уже описанных легких касаний. Эффект воздуха усугубляется, если передний план будет написан яркими, сочными кроющими мазками. Это я советую делать только после того, как будут определены все отношения на вашем рисунке и кроющий мазок не нарушит гармонию на листе.4- возможность продолжения работы  Густые, кроющие мазки пастели заполняют рельеф бумаги и делают невозможным продолжение работы по тем местам, где они проложены. (В этом случае для продолжения работы над рисунком , я предварительно ослабляю эти места поролоновой губкой.)  . Предлагаемый способ работать путем наслаивания, сохраняет возможность поверхности бумаги удерживать новые слои пастели, таким образом, продолжить работу.С другой стороны, сохраняется наше «право на ошибку».

Описанный и аргументированный способ ведения пленэрной зарисовки, конечно, схематичен и условен. Конечно, ваша индивидуальность важнее. Без сомнения, задача передачи прелести природы любыми средствами и способами приоритетней следованию предложенному методу. Тем не менее, трудно оспорить парадигму – «чтобы нарушать закон, надо его знать», как и «изобретение колеса- удел упрямцев и филистеров». В защиту «моего метода» хочется добавить- чем сложней и разнохарактерней изображаемое , тем действенней предлагаемый технический  метод.

Любое искусство – это отношение фона и акцентов. Чем меньше акцентов, тем они значимее. Восприятие музыки или книги намного продолжительнее по времени, следовательно, развитие событий в романе предполагает несколько кульминаций. В визуальных искусствах , время воздействия на зрителя не сопоставимо меньше. Это, слушая мелодию, мы ждем развитие темы, чтобы вынести свой вердикт. А на наш пейзаж зритель смотрит и решает все за  пару секунд. Или работа его останавливает и тогда он любуется деталями и мастерством, или просто идет мимо. 

Еще одна особенность  письма  пастелью – это  вести работу  «от темного – к светлому». То есть    лучше не уплотнять цвет нужного пятна, а , наоборот, высветлять. Иначе, светлый тон будет препятствовать темному, положенному сверху. Пример— рисуем зеленое яблоко. Легкими широкими штрихами на всей площади   будущего яблока  делаем зеленое пятно, более темное, чем нужно. Затем “высветляем”, накладывая по форме яблока  мазки менее плотного цвета.  Между мазками проступает  темный зеленый, создающий глубину цвета.

Вернемся к вопросу прорисовки деталей при завершении пленэрной зарисовки.Помните, что не надо выписывать детали удаленных объектов. Мы и в жизни их едва различаем, а на листе особенно важно подчеркнуть иллюзию удаленности обобщением дальнего плана. Поэтому, желательно, чтобы детали были написаны несколькими, но очень точными штрихами. Если переусердствуете, то создастся впечатление перегруженности деталями и, главное, появление каждой детали – это лишний  акцент. То есть , риск рассеивания внимания  на эти множественные детали – акценты.Например, купол собора, расположенный вдалеке, на заднем плане. Наш глаз видит только общую форму, тон  и, возможно, блики на этом куполе, и то  весьма неотчетливо. Часто не видим даже цвета.  Но умом мы понимаем, что это медный или позолоченный купол, имеющий вертикальные ребра. Значит, он должен быть зеленым или там золотым  и пытаемся рисовать эти ребра и расцветить его, хотя на расстоянии он воспринимается фиолетовым или светло-серым.Это большая ошибка. Во-первых, подобная детализация на  изображениях удаленных объектов задает иную планку проработки ВСЕХ  частей вашей работы для поддержания гармонии на листе.  А это уже другое , совсем не «этюдное» время.

 Во- вторых, подобное раскрашивание убивает и воздушную перспективу, и художественную образность и недосказанность.При завершении работы, особенно городских пейзажей, часто возникает необходимость  изображения или хотя бы обозначения очень мелких деталей. Я использую для этой цели – угольные карандаши –charcoal pencil- их часто называют ретушь. Есть также – пастельные карандаши. 

Мягкость ретуши тоже бывает очень различной. Советую выбирать мягкую – чтобы не было большой  разницы с пастелью, чья мягкость гораздо выше.

Работая ретушью над деталями, помните , что прорисованный контур ,например, дерева, «вырывает» предмет из пейзажа, разрушает объем.Какой бы неудачной вам не показалась пленэрная зарисовка – помните, что вы ее делали не зря. Ваше мастерство и чувство гармонии хоть капельку, да выросло. Позже, при создании «своей» работы, вы будете чувствовать себя увереннее.

Международный краудфандинг запустился!
Получи поддержку со всего мира!
Начать